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Limón relata un encuentro improvisado entre Bebo valdés, Enrique Morente y los Trueba. Un “momentazo” del panorama sonoro del flamenco

Seis mujeres conforman el equipo científico encargado de inventariar y conservar cada una de las piezas de las que consta el tesoro del Nuestra Señora de las Mercedes. El lunes por la noche llegaron a Sarasota, en Florida, donde la empresa estadounidense Odyssey Marine Exploration lo almacenó tras anunciar su hallazgo, en mayo de 2007. Ellas serán las que empiecen a organizar el trasvase de las 595.000 monedas de plata y oro de aquí al fin de semana. Será entonces cuando dos aviones Hércules aterricen en el aeropuerto de la ciudad para transportar la carga a España. Si todo sale según lo previsto, el tesoro podría estar de vuelta a principios de semana.

Se trabaja a contrarreloj. En solo cuatro días, las expertas en numismática y en conservación del Museo Arqueológico Nacional y el Museo de Arqueología Subacuática tendrán que comprobar que el material entregado por Odyssey se corresponde con lo que la compañía declaró en los juzgados que han llevado el caso. Para conservar algunas de las piezas, el grupo ha traído una docena de arcones de seguridad negros con el logo del Gobierno de España. Los arcones son de propileno y de poliuretano en el interior, para evitar que los restos arqueológicos se dañen.

La expedición salió ayer por la mañana hacia el lugar donde se encuentran las monedas. El sitio es una incógnita. La empresa Numismatic Guaranty Corporation, cuya sede está al oeste de la ciudad, fue contratada por Odyssey para hacerse cargo de todo el proceso de almacenaje y conservación. Pero las instalaciones en las que se encuentran las monedas, no muy lejos de allí, cuentan con fuertes medidas de seguridad y su localización no ha sido revelada. Un portavoz del Ministerio de Cultura señaló ayer que España respetará la confidencialidad para evitar problemas.

La noticia de que los tribunales estadounidenses han dado la razón a España y han obligado a la empresa Odyssey a devolver el tesoro de La Mercedes no ha inquietado demasiado a los habitantes de Sarasota. La ciudad es un espacio de casas bajas desparramadas en unos 40 kilómetros de tierra firme. Sus poco más de 50.000 vecinos no parecen haberse enterado de la visita del equipo español. El caso no ha despertado mucho interés para la prensa local y pocos saben que una empresa de Florida llamada Odyssey ha perdido el tesoro de un barco español hundido en 1804 y por el que ha litigado con España durante cinco años. “Pues sí es español que lo tengan los españoles”, dice un jubilado con el traje regional (bermudas, zapatillas deportivas y gafas de sol) en una cafetería.

A una hora de allí en coche por las anchas autopistas del Estado de Florida, se llega a Tampa, la ciudad donde Odyssey tiene su sede central y un laboratorio donde conserva algunas de las piezas halladas en sus expediciones. No hay nada que indique a primera vista que estamos en las oficinas de la firma de cazatesoros. Solo cuando se sube a la segunda planta se percibe que el lugar tiene que ver con pecios submarinos, tesoros e historias de naufragios. Hay carteles, cuadros y réplicas de lo que la compañía ha encontrado en sus viajes.

La atmósfera que se respira en la compañía estos días es de derrota. Han sido cinco años de dura batalla legal por algo que tenían y que saben que pronto desaparecerá. La jurisprudencia que ha creado el caso, donde todos los tribunales estadounidenses han dado la razón al país que abanderaba el buque militar encontrado por Odyssey, hacen surgir la pregunta de si podrá seguir buscando tesoros. “Seguiremos trabajando con los Gobiernos que quieran, como el de Reino Unido. Allí vamos a rescatar el tesoro del HMS Victory con una fundación”, asegura Greg Stemm, cofundador de Odyssey. “El único perdedor en esta historia ha sido España. La gente no dejará de buscar pecios españoles. Lo único que va a pasar es que muchos buscadores ilegales dejarán de informar de que los han encontrado. Entonces veremos monedas extraídas de pecios españoles vendidas en eBay. Todo esto es triste para un país con un pasado cultural tan rico”.

No parece que la tristeza embargue al equipo español que trabajará estos días en Sarasota. Esto supone un reto profesional y las caras ayer eran las de quienes saben que están ante un momento importante. “Vamos a trabajar a contrarreloj para finalizar los trabajos en el almacén el viernes 24. El equipo está muy motivado y es consciente de la responsabilidad de su labor”, señaló la subdirectora general de Protección del Patrimonio, Ángeles Alastrué. Las seis mujeres, vestidas con batas blancas y preparadas para el trabajo, salieron por la mañana hacia el lugar donde se esconde el tesoro, dispuestas a ponerle el punto final a toda esta historia.

Las meditaciones de San Juan Bautista, pintada por El Bosco entre 1485 y 1510, es una de las obras más conocidas del Museo Lázaro Galdiano. En el cuadro, 60 por 40 centímetros, el santo aparece rodeado por extrañas montañas (espejo de la lujuria y el pecado), animales de granja mezclados con criaturas extrañas y plantas fantástica propias de una película de ciencia ficción. En esa tabla destaca lo que podría ser una especie de granada trepadora. En la restauración realizada por el museo en 1995, se intuía la existencia de una figura masculina ocupando la parte central de la fruta. Ahora se puede ver casi cada detalle de la cabeza y el dibujo que realizó el artista antes de pintar y se sabe que, como hizo en otras obras, el rostro corresponde al donante, la persona que encargó la obra. ¿Por qué lo hizo desaparecer? Las causas pueden ser muchas: no le agradó al pagador. No funcionó la composición a ojos del artista. Se arrepintió sobre la marcha y la imagen del mecenas queda como otros muchos arrepentimientos del artista…

Los descubrimientos que hoy miércoles da a conocer el Lázaro Galdiano sobre una de sus joyas más famosas es debido al trabajo de investigación que desde hace un año realiza el Bosch Research and Conservation Project para revaluar la obra fundamental de El Bosco. Con un presupuesto de dos millones de euros, el equipo estudia alrededor de cincuenta obras maestras que formarán parte de la exposición que en 2016 se le dedicará en el Noordbrabants Museum de Hertogenbosch (el Museo de Brabante ) a propósito de los cinco siglos que su muerte. Brabante es la región en la que vino al mundo el maestro de Brueghel el Viejo, donde, sin embargo, no poseen ninguna obra del pintor. Todas las piezas que entonces se exhiban serán prestadas por museos y coleccionistas privados.

Pero antes de que la exposición se pueda disfrutar, Matthijs Ilsink explica en los talleres del Lázano Galdiano en qué consiste el trabajo del equipo que él coordina. Acompañado de tres expertos que no despegan la vista del ordenador, Ilsink señala la cámara que a unos cinco centímetros de distancia fotografía sin parar Las meditaciones de San Juan Bautista. Con luz visible e infrarroja, la cámara va tomando macrofotografías que, divididas en cuadrículas, dan detalles del cuadro que hasta ahora nunca se habían podido ver. Al menos, con tal nitidez.

Ilsink aclara que no se trata de desenmascarar falsas atribuciones (caso de Rembrandt) ni aportar nuevos descubrimientos (aunque sí estudian algunos cuadros de su entorno). “Se trata de conocer la obra de El Bosco hasta el último detalle. No solo las figuras ocultas que se están descubriendo en algunos de sus trabajos, sino de analizar como era su pincelada (fina en unos casos, gruesa en sus comienzos) y que no volcaba la pintura directamente, como otros pintores flamencos, sino que, previamente, dibujaba cada elemento con todo detalle, incluidos los sombreados”.

Amparo López Redondo, conservadora jefe de la Fundación Lázaro Galdiano, pone todo el entusiasmo del mundo para detallar otros asuntos fundamentales que confirman las nuevas pruebas. Como, por ejemplo, que este cuadro presenta tantas similitudes con el San Juan en Patmos que conserva el Staatliche Museo de Berlín que se puede asegurar que ambos cuadros forman parte de un tríptico escultórico con dos tablas. Una vez descubierto el hecho de que la planta oculta una figura humana que se intentó hacer desaparecer del cuadro, la explicación que manejan los expertos es que se cortó la parte inferior y se rehizo la pieza manteniendo los elementos primitivos.

Aunque en España puede haber una docena de obras de El Bosco, el equipo investigador seguirá su gira en cuanto concluya el trabajo en el Lázaro Galdiano. Ilsink explica que solo se fotografían los que pueden aportar novedades para entender la esencia de la obra de El Bosco. El Prado tiene una de las mejores representaciones del mundo, gracias al fervor que Felipe II profesaba por este pintor. En sus salas se encuentra El carro de heno, La Adoración de los magos, El jardín de las delicias, Los siete pecados capitales o Las tentaciones de San Antonio. En el palacio de San Lorenzo de El Escorial se exhibe otra de las grandes obras de El Bosco: Jesús con la cruz a cuestas.

Las meditaciones de San Juan Bautista consta como propiedad del Lázaro Galdiano desde 1913. En 1936, antes de que comenzara la Guerra Civil, el museo Boymans van Beuningen de Rotterdam se había llevado el cuadro para una exposición. Al estallar la guerra, la pinacoteca holandesa se ofreció a custodiar la obra y el Galdiano aceptó. Durante la Segunda Guerra Mundial, el cuadro se salva de las llamas que consumieron la ciudad gracias a que junto a otros muchos fue escondido en una gruta. Pasada la guerra, y pese a las numerosas ofertas económicas recibidas, Jerónimo Seisdedos -entonces conservador del Prado- viajó a Rotterdam para llevar el cuadro a Madrid. Lo entregó el 2 de abril de 1949.

Kim Dotcom Schmitz, cerebro del portal de alojamiento de contenidos Megaupload, será puesto en libertad bajo fianza, según ha decidido un juez de Nueva Zelanda, país en el que fue detenido el 20 de enero pasado, informan medios locales. Según la revista Wired, Schmitz no puede alejarse de su casa de Coastesville más de 80 kilómetros ni conectarse a Internet.

Estados Unidos quiere juzgar a un total de siete ejecutivos de Megaupload, entre ellos los cuatro detenidos en Nueva Zelanda, por piratería informática, crimen organizado y blanqueo de dinero. A Megaupload se le atribuye haber causado más de 500 millones de dólares (381 millones de euros) en pérdidas a la industria del cine y de la música al transgredir los derechos de autor de compañías y obtener con ello unos beneficios de 175 millones de dólares (133 millones de euros).

La semana pasada el también alemán Mathias Ortmann, confundador de Megaupload, recibió esta medida de gracia tras aceptar 17 condiciones para la libertad provisional, entre ellas la prohibición de utilizar internet. El nueve de febrero quedaron en libertad el jefe de programación, el holandés Bram van der Kolk, y el alemán Finn Batato.

Todos los acusados tienen prohibido abandonar el país, a la espera del juicio que debe decidir si son extraditados a Estados Unidos, país desde el que se ordenó su detención.

Álvaro Urquijo tiene una obsesión por el sonido limpio. Y así lo demuestra en el estudio que tiene en el sótano de su casa en una urbanización a las afueras de Madrid. Ajusta y ajusta los niveles, aprieta y aprieta botones de su mesa de mezclas hasta que el sonido de sus maquetas caseras está completamente a su gusto. Los secretos cumple 30 años y, después de un mítico concierto en el Teatro Real de Madrid, comienzan gira para enseñar por España y algunos lugares del extranjero su último disco ‘En este mundo raro’. Después de tres décadas, Urquijo desgrana sus gustos musicales que han marcado, también a sus amigos y compañeros de grupo.

Una canción que no sea de Los Secretos, pero que sería susceptible de comenzar una gira de Los Secretos.

Es complicado. A mí me chafó muchísimo escuchar una versión de John Mayer de Free Falling. Siempre tuve en la cabeza hacer una versión de esta canción. Esa canción de Tom Petty me encanta y podría ser una buena versión ‘asecretada’. Pero me da rabia que se piense que quiero copiar a John Mayer.

Una canción para ir en la furgoneta

Hay de todo para ir en la furgoneta. Ahora estoy escuchando mucho discos antiguos de Fountains of Wayne que me encantan, no eran mi estilo cuando me los presentaron, pero terminé por acercarme a ellos y me conquistaron. Tienen canciones de corte country que me encantan como Fire on the canyon. La música de corte country es muy buena para la carretera y ahí tiene colecciones muy buenas Ramón Arroyo (guitarrista de Los Secretos).

El disco que cambió tu vida

Yo escuchaba de pequeño música en plan inocente, como mucho Obladi oblada de los Beatles por ejemplo, Yellow Submarine, como un niño…. El disco que creo me empezó a hacer madurar fue el Blonde on Blonde de Bob Dylan. Sin gustarme como cantaba Dylan, ni gustarme cómo estaban instrumentadas, sin ser el prototipo de perfección, me parecía un disco buenísimo.

Una canción que haya definido tu voz

Nunca me tomé en serio mi voz hasta que desgraciadamente mi hermano Enrique fallece y tengo que tomármela más en serio. Creo que un gran error de muchos vocalistas es no saber cuál es tu tono de voz adecuado. Yo creo que lo encontré a partir de 2002 cuando grabamos el primer disco sin mi hermano. Creo que cuando grabé la canción Cada día fue el momento en el que más cómodo me he sentido cantando y fue cuestión de bajarla medio todo.

Una canción para iniciar una revolución

Creo que habría que visitar el pasado. Hoy en día no se hacen canciones revolucionarias. Creo que la gente está demasiado acomodada. Habría que buscar entre las canciones protesta de los años 60 que realmente hablaban de pueblo oprimido y de falta de libertad. Eve of destruction de Barry McGyre es buena. O cambiamos algo o estamos condenados a la destrucción.

Una canción que sea Madrid

Muchas canciones que son emblemáticas. Aunque sea redundante, las canciones de Antonio Vega las asocio inmediatamente con Madrid. El sitio de mi recreo, o La chica de ayer con Nacha Pop… Canciones como Tesoros…. Cualquiera que me dijeran de Antonio, no sé porqué, pero me lo imagino en un pequeño piso de Madrid componiéndola.

La canción más triste, aunque no lo sea

Me ha costado casi 6 años poder cantar canciones de mi hermano como Agárrate a mí María, por una cuestión muy personal. Cuando conoces los problemas internos de la persona que ha escrito una canción y lo que le motivaba y desmotivaba de la vida te da muchísima pena cuando las vuelves a escuchar.

Una canción para cantar en el coche

A mi me llaman pesado en mi familia porque cuando voy en el coche canto todas las canciones. Es una forma de practicar la voz, de ejercitarla entre conciertos… Suelo hacer segundas voces a los cantantes que escucho en discos… En el coche tengo un iPod pequeñito que me encontré en Formentera en la playa metido en la arena húmeda y que funciona. Estaba lleno de canción italiana, lo borré y lo llené de música… He metido canciones de Ron Sexsmith como Late Bloomer

La canción que le hubiera gustado componer

Son muchísimas y me deprimo mucho cuando escucho una canción que me hubiera gustado componer. Son infinitas. El sitio de mi recreo, de lo cercano. Mr Tambourine man, de Dylan, de lo lejano.

Una canción que esté sobrevalorada

Creo que hay muchas. Hay un prototipo de canción con cuatro acordes sobre los que se ha volcado y revolcado el pop internacional y nacional desde hace décadas. Hay un vídeo en youtube de un tipo tocando esos cuatro acordes y cantando sobre esos cuatro acordes decenas de hits del pop de las últimas décadas. Es lo que se llama la rueda 1564. Son los acordes de With or Without you de U2, por ejemplo, que son más viejos que el pop mismo. Re, La, Si menor, sol.

Una juez de Vilanova i la Geltrú (Barcelona) ha archivado la causa abierta por un presunto delito de pornografía infantil contra el director del Festival de Cine Fantástico de Sitges, Ángel Sala, por la exhibición de la película A serbian film, que incluye crudas imágenes de sexo y violencia con menores. En el auto de archivo, la titular del Juzgado número 8 de Vilanova, Marga Fe Subirats, considera que el filme “no es una película pornográfica, por cuanto las imágenes, antes de poseer una finalidad de provocación sexual, tienden a todo lo contrario”, y especifica que “se trata más de una película de género gore“.

La juez Subirats añade que las escenas de la película, “como bien indica el propio letrado del imputado, pueden calificarse de execrables, masoquistas y de una violencia extrema, pero en modo alguno persiguen o tienden a la excitación sexual, (por lo menos para personas sexualmente cabales)”.

Como dato curioso sobre la película, la juez indica que la película “ha sido objeto de varios premios (de dudoso merecimiento en opinión de esta instructora)”, y que ha sido proyectada en diversos festivales europeos y norteamericanos, “lo que motivó que por parte del Festival de Sitges, quizás no se adoptaron las correspondientes precauciones” antes de su proyección.

¿Cuál es la relación entre Internet y el cine? Este asunto lleva en mi cabeza un par de años, con su carga polémica y controvertida. Asunto peliagudo porque cuestiona los principios del mismo negocio, obliga a fundamentar ideas y a derribar prejuicios, y desgraciadamente, eso no es fácil. El primer paso es reconocer algo en lo que todos estamos de acuerdo: somos internautas, como decía el domingo el presidente de la Academia, Enrique González Macho. Todos somos parte de este entramado de comunicación. Pero al mismo tiempo, Enrique asegura que los recursos económicos del cine no pasan por los internautas. ¿Los recursos del cine no pasan por todos nosotros? ¿Los recursos del cine no pasan por el público? Entonces, ¿por dónde pasan?

El cine, por encima de sus derechos, tiene que pensar en sus obligaciones, y la primera es trabajar para el público, y buscarlo donde se encuentre. El público vive y piensa, trabaja y se comunica a través de Internet: comparte ideas, creaciones, música, películas. Vive en Internet. ¿No es lógico, sensato y tremendamente urgente proponer modelos de negocio que se adapten a las necesidades del público?

Internet no es, y espero que estemos todos de acuerdo, tan solo un nido de piratas. Nadie, en el mundo de los profesionales de la red, en estos dos años de debates, discusiones y coloquios, nadie, repito, defiende el todo gratis. Nadie defiende al que se lucra ilegalmente con el trabajo de los demás. Ahora bien, seamos sinceros, ¿cuál es la oferta legal? Prácticamente nula, si consideramos la urgencia de la demanda. Las excepciones (Youzee, Wuaki, Voddler, Cineclick y Filmin, extraordinario esfuerzo de Juan Carlos Tous) demuestran que es posible y que los valientes abren camino, pero desde luego no es suficiente. ¿Podemos exigir responsabilidades y lamentarnos de nuestras pérdidas si nuestra tienda virtual permanece cerrada? ¿Podemos decir que internet no es una alternativa al negocio del cine cuando ni tan siquiera lo hemos intentado? ¿No somos responsables de no saber adaptarnos a las necesidades del mercado? ¿Cuanto tiempo vamos a esperar?

Este es el segundo paso: reconversión. La prensa y los libros se leen en el iPad, la industria de la música está reaccionando y plantea alternativas, como Spotify. Netflix, el spotify del cine, todavía no llega a España. En lugar de esperar a que sea tarde y lo hagan las grandes compañías, ¿por qué no somos nosotros los primeros en explotar las bibliotecas de cine de forma legal y asequible para el usuario? En lugar de un problema, ¿no somos capaces de verlo como una oportunidad?

Las películas, queramos o no, se estrenarán en Internet, a un precio consensuado y razonable. Se establecerá un debate entre productores, distribuidores, exhibidores y las compañías que suministran banda ancha, redefiniendo las ventanas de exhibición en el marco del nuevo mercado. Abriremos una nueva ventana de comercialización en el mismo hogar del consumidor. ¿Alguien puede pensar que eso es malo para el cine? Enrique, mi amigo y mi distribuidor Enrique, piensa que este cambio es prematuro, que “la industria cinematográfica no se puede permitir dar un salto al vacío”. Creo, humildemente, que el vacío está ya bajo nuestros pies. No querer mirar es la más peligrosa de las cegueras. No es fácil, es incómodo pero es necesario. Distribuidores y exhibidores, intermediarios de la creación audiovisual, pero también parte esencial del engranaje de la producción, ven cómo el edificio tiembla. No esperemos a que se caiga. La relación entre productores de contenidos y consumidores ha cambiado para siempre. Es una realidad imparable. Demos el primer paso o lo darán por nosotros. Hablemos, discutamos cómo hacerlo, pero no demos marcha atrás. Se necesita valentía, pero no creo que orgullo.

Alex de la Iglesia es director y expresidente de la Academia de Cine.

Las palabras del presidente de la Academia de Cine, Enrique González Macho, durante la gala de los Goya sobre las relaciones entre Internet, la rentabilidad de la industria cinematográfica y los nuevos modelos de negocio actuaron, en cosa de minutos, como un verdadero cóctel molotov. Las redes sociales ardieron como teas, y ayer siguieron haciéndolo, fomentando un áspero debate en el que unos cargaron contra lo que consideraron un discurso obsoleto y conservador y en el que otros defendieron al presidente de la Acdemia por no haber hecho otra cosa que constatar una realidad.

¿Es Internet la salvación del cine y hay que coger el toro por los cuernos, como dijo el año pasado en su alocución el entonces presidente Alex de la Iglesia?¿Hay que mostrar prudencia, sentarse a esperar y seguir apostando por los formatos de exhibición cinematográfica tradicionales, como sostuvo González Macho?

Hoy martes sí se pueden ver películas de forma legal por Internet en España. En descarga, en streaming, alquilando en una web un DVD físico, a través de cadenas de televisión de pago… Internet funciona, pero es cierto que, ahora mismo, su valor económico es casi ínfimo. Mientras el mercado del DVD decae, Internet no acaba de arrancar en España. No llega ni al 1% de los ingresos producidos por el cine, según datos del sector.

El domingo, en su discurso González Macho y sus vicepresidentas Marta Etura y Judith Colell dijeron: “Todos somos internautas (…) pero la realidad, por el momento y probablemente por un espacio de tiempo demasiado largo, es que Internet no forma parte de la actividad económica del cine. No dudamos de que formará parte esencial de nuestro futuro, pero ese futuro todavía no ha llegado”.

Si las salas han vendido 40 millones de entradas menos en los últimos siete años y las ventas de DVD han caído un 18% en 2011, ¿dónde está el futuro? España es uno de los países más retrasados en este negocio, y la industria apunta en dos direcciones: una, que la piratería sigue campando a sus anchas; dos, el corsé de las ventanas de explotación.

Las ofertas legales en España son de dos tipos: las que han nacido directamente para abordar ese mercado en Internet (Apple TV y la tienda iTunes, Filmin, Filmotech, Cineclick, Youzee, Wuaki.tv o el servicio sueco de alquiler Voddler, aún recién llegado), y las que se desarrollan a través de las televisiones de pago, como Canal + Yomvi, creado en octubre pasado y que ya acoge en su oferta unos 1.200 títulos.

El problema al que se enfrentan las compañías que ofrecen películas de manera legal es que son los poseedores de contenidos —en su mayoría los estudios de Hollywood— los que marcan y deciden las ventanas de explotación: hay que esperar de cuatro a seis meses al lanzamiento del DVD o Internet y un año para la televisión de pago, mientras que el consumidor en España está acostumbrado a la inmediatez… y al todo gratis. “Internet todavía no es rentable. Nuestro reto como industria es que nuestra oferta de servicio y tecnología sea lo suficientemente atractiva y con alta calidad para que la gente acepte pagar por ello”, asegura Álex Martínez Roig, director general de contenidos de Canal +. Juan Carlos Tous, responsable de Filmin, apunta otra traba aún mayor para el cine español: “Cuando una película recibe ayudas públicas debe esperar tres meses a su lanzamiento en DVD. Pero la ley no dice nada de su salida en Internet, se podría hacer al instante”. Así se hizo en Estados Unidos, por ejemplo, con Margin call, que se estrenó el mismo día en salas (seis millones de dólares de taquilla, con un precio medio por entrada de 12 dólares) y en Internet (cinco millones de recaudación, a cinco dólares por visionado).

En EE UU se estiman en 4.500 millones de euros las pérdidas anuales que la piratería internacional provoca en este sector, según datos de Bloomberg. En la búsqueda de rentabilidad en la Red, las productoras estadounidenses no están teniendo un camino fácil: en octubre, Universal Pictures intentó hacer una prueba, alquilando en Internet Un golpe de altura, también a través de la plataforma de cable de Comcast y solo tres semanas después de su estreno. Iba a hacerlo por el exorbitante precio de 59.99 dólares y como una prueba limitada en Atlanta y Portland. Viendo que aquello podía ser el inicio de una tendencia al alza, las distribuidoras contraatacaron con una amenaza de boicot. Al final, Universal dio marcha atrás y se estrenó solo en cines, recaudando 146 millones de dólares en el mundo.

“Lo que sí hay es una demanda brutal. ¿Por qué hoy nadie puede ver Eva, después de haber ganado tres goyas?”, se pregunta Tous, que ve lejano el aterrizaje de Netflix, el gigante estadounidense, a España. Youzee, en marcha desde el pasado 1 de diciembre, está en su proceso inicial de invitación. Responsables de la empresa aseguran: “Creemos en lo que estamos haciendo. Hay negocio en este campo”.

En EE UU hay plataformas que permiten alquiler a la carta de estrenos y de nutridos catálogos de las diversas productoras. Normalmente han copado ese mercado las empresas de cable tradicionales, como Comcast o Time Warner. En este negocio ha entrado Apple, con alquileres a través de su tienda iTunes y su servicio Apple TV, que se conecta a la pantalla de televisión.

Miguel Morales, de la distribuidora Wanda Films y socio de Filmin, compara el páramo español con la cosecha europea. “Fuera, las cifras son notablemente mejores que en España. En estos países, el visionado por Internet alcanza unas cifras muy parecidas a las que se hacían en DVD”.

El gran triunfador de los Goya, Enrique Urbizu, lo tiene así de claro: “Estoy de acuerdo con lo que dijo González Macho; los ataques furibundos desde sectores de Internet al mundo del cine han hecho que haya todavía una mayor regulación de las relaciones entre cine e Internet”.

Con información de David Alandete.

Para ser el futuro, Internet ha llegado bastante pronto. “La Red aun no forma parte de la actividad económica del cine”, afirmaba hace apenas tres días el director de la Academia de cine, Enrique González Macho, en su discurso en la gala de los Goya. Se ve que los responsables de los canales de cine de pago en Internet no opinan lo mismo. La prueba es que desde esta misma noche, Canal+ Yomvi, el servicio de contenidos Premium de Canal+ en Internet, ofrece la posibilidad de ver No habrá paz para los malvados, de Enrique Urbizu, la gran triunfadora en la noche de los Goya, con seis estatuillas, entre ellas las de mejor película y mejor dirección.

La película está disponible para los clientes de Canal+ con IPLUS conectado y también a través de PC y en la Jazzbox de Jazztel. La cinta puede adquirirse por 3,99 euros y 4,99 en alta definición. Además, el canal de pago ofrece las cintas La piel que habito, Blackthorn. Sin destino y Un cuento chino, el documental Escuchando al juez Garzón y el cortometraje Birdboy.

Canal+ no es la única cadena que ha optado por emitir de forma inmediata a las películas premiadas en los Goya. Tele 5 también acaba de publicar online a la ganadora de los galardones del cine español, obra de la que es productora. El filme se puede descargar de la página web Mitele en alta calidad por 4,72 euros. Y estará disponible hasta el 21 de mayo.

La meteórica incorporación de la película de Enrique Urbizu a la oferta de cine de pago en Internet podría marcar un antes y un después en la controversia acerca de los modelos de negocio del cine en España. Controversia que tuvo un primer ingrediente en el discurso del presidente de la Academia de Cine en la noche de los Goya, y un segundo capítulo en el duro artículo publicado el martes por el expresidente de la institución, Alex de la Iglesia, en EL PAÍS. Por otra parte, se da la paradoja de que No habrá paz para los malvados prácticamente ha desaparecido de la cartelera madrileña: tan solo es posible verla en una sesión (15.40) en una sala de los multicines Yelmo Cines Islazul, en Carabanchel.

El proceso de alquiler en Mitele es, en apariencia, relativamente fácil. Se trata de enviar un SMS a un número que aparece en dicha página web y, una vez recibida una confirmación, enviar un segundo mensaje. A partir de entonces y durante 48 horas el usuario podrá visionar el filme online todas las veces que quiera.

Es la primera vez que la ganadora del Goya a la mejor película está disponible online y de forma legal apenas tres días después de recibir el galardón. Tanto que Ana Bueno, directora de contenidos multimedia de Mediaset, habla de “un paso gigante” hacia la mejora de la oferta de cine en Internet.

La triunfadora del año pasado, Pa negre, no tardó mucho más en estrenarse en la Red: apareció en el catálogo online de la página web Filmin 11 días después de la ceremonia. El precio del visionado en streaming era de 2,95 euros. Filmin ofrece la posibilidad de ver online también La piel que habito, la película de Pedro Almodóvar que llegaba como favorita a la gala de los Goya con 16 nominaciones (y que se llevó cuatro estatuillas), por 2,95 euros y 72 horas de visionado.

“La pusimos a disposición de los usuarios el pasado 6 de enero. Y desde el 27 está también Midnight in Paris“, cuenta Jaume Ripoll, director editorial de Filmin. Para Ripoll, la llegada de los Goya a la Red poco después de la gala es ni más ni menos que una “normalización del sector”. “Si hay demanda por parte de los usuarios hay que ofrecerles los contenidos que piden. Queremos que, poco a poco, Internet se convierta en un complemento más de la oferta de cine”, asegura el director editorial de Filmin.

Además de los casos más llamativos, el catálogo en la Red tanto de mi Mitele como de Filmin ofrece decenas de películas y, entre ellas, otras exprotagonistas de los Goya. En el caso de Mitele, filmes como Celda 211, Ágora y El laberinto del fauno, también producidos por Telecinco, se pueden ver online por 1,42 euros.

El museo Thyssen recibe con buenas noticias al ministro de Educación, Cultura y Deportes, José Ignacio Wert. La baronesa ha anunciado esta mañana, en presencia de Wert y al término del primer patronato al que este asiste en la pinacoteca, la prórroga por un año de la cesión de su colección, 240 obras en total, al Estado. Tras esa decisión estaría la certeza por parte de Carmen Cervera de que, dadas las circunstancias, no son momentos para negociar nuevos términos de alquiler. La colección estaría valorada en 700 millones de euros, en estimaciones de Sotheby’s, según explicó la baronesa a este diario.

La última oferta conocida de Carmen Cervera consiste en que el Estado acoja su colección durante 25 años en régimen de alquiler, con opción a compra. En los primeros momentos de la negociación, la baronesa se manifestó partidaria de la venta de los cuadros, pero finalmente optó por el alquiler “porque tiene que pensar en sus herederos”.

Con la prórroga anunciada hoy ya son dos las que concede la baronesa tras la pactada el año pasado con la entonces titular, Ángeles González-Sinde, cuando expiró el acuerdo inicial de 11 años firmado por el Ejecutivo y la coleccionista. En febrero de 2011, González-Sinde declaró: “La intención del Ejecutivo era prolongar más tiempo el préstamo, algo que no ha podido realizarse porque la baronesa ha planteado una serie de contraprestaciones”. Conviene recordar que en el momento de la primera firma, en 2000, Mariano Rajoy, actual presidente del Gobierno, era ministro de Cultura y fue parte decisiva en las negociaciones.

La Colección Carmen Thyssen que se expone en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid consta de 240 obras procedentes de las 3.000 que Carmen Cervera ha ido comprando a lo largo de los años, gran parte bajo el asesoramiento de Tomás Llorens, anterior conservador jefe de la Fundación Thyssen. Desde la ampliación del museo, que se inauguró en 2004, un nuevo edificio de 8.000 metros cuadrados alberga la colección de la baronesa, que se había expuesto parcialmente por primera vez al público en 1996.

En el núcleo duro de la colección destacan más de una treintena de piezas consideradas como obras maestras. Ya desde su origen, contaba con un grupo indiscutible de ellas: como La esclusa, de John Constable, una de las pinturas más importantes del artista inglés, adquirida en el mercado británico en el año 1991. Pero además la colección (cuyo fuerte es a ojos de la propia Carmen Cervera el siglo XIX) cuenta con auténticas joyas de Monet, Gauguin y también del arte flamenco o del expresionismo abstracto norteamericano.

Eladio y Los Seres Queridos se sumaron el año pasado al grupo de artistas fichados por los productores de Vetusta Morla y con ellos se recorrieron gran parte de los festivales de verano de España, bien como teloneros o bien en otros escenarios alternativos a los de sus ‘hermanos mayores’. De su segundo trabajo, producido por Manuel Colmenero, y titulado Están ustedes unidos, Tentaciones eligió El tiempo futuro como una de las mejores canciones nacionales de 2011.

Ahora, el grupo ha ofrecido a la web de Cultura de EL PAÍS estrenar el vídeo del tercer single de ese trabajo, Con el corazón en la mano. El clip está firmado por Zingin Audiovisual y se grabó, en parte, durante el concierto que la banda ofreció en La Riviera de Madrid el pasado mes de diciembre. Vestusta Morla consiguió el reto de llenar la sala de 3.000 personas de aforo durante durante cinco noches consecutivas, una de ellas, Eladio y los seres queridos ofrecieron un enérgico concierto antes de que saliera el grupo madrileño. También se grabaron recursos en La Fábrica de Chocolate Club de Vigo.

Eladio Santos, Óscar Durán, Marcos Vázquez, David Outumuro, Tarci Ávila y Ovidio López, Eladio y los seres queridos, actúan el miércoles 22 de febrero en la sala Joy Eslava en una velada dedicada a la noche viguesa con otros artistas como Iván Ferréiro, Nicolás Pastoriza, Silvia Superstar y los Fabulosos, Palo Novoa y The Blows.

Hace unos años, sin más ni más, empezaron a llegar a mi buzón de correo invitaciones para participar en los Premios de la Música. Básicamente se trataba de una contraseña que daba acceso a una página web. Allí había una exhaustiva lista de categorías. En cada una, una ristra de candidatos que se antojaba inacabable de los que había que elegir, si no recuerdo mal, un máximo de tres. No era necesario contestar a todas, cosa muy de agradecer, porque categorías como Mejor canción en asturiano o Mejor edición de música clásica escapaban por completo a mis conocimientos. Aun así, rellenar aquello llevaba horas. Un tiempo después (hubieras o no contestado al primero) llegaba otro correo para votar a los finalistas. Las categorías eran igual de largas pero los candidatos habían quedado reducidos a una terna.

En 2011, fascinado por cosas como que el de Kiko Veneno fuera el mejor álbum de pop alternativo del año o que Macaco recibiera el premio a mejor álbum de pop, decidí informarme. Encontré un mail, escribí, y rápidamente una representante de la academia se puso en contacto conmigo. Me contó que había alrededor de 5.300 académicos. Los primeros, entre los que al parecer me encontraba, habían sido elegidos por los fundadores, aunque cualquiera que cumpliera unos requisitos podía postularse. En teoría el mayor número de solicitudes llegaba después de cada edición. No supo decirme cuántos de ellos votaban, porque eso era un dato que solo conocía el notario. Tampoco si hacía falta un determinado número de participantes para que hubiera quorum, con lo que en algún caso un premio podría quedar desierto. Sin haber resuelto la mayoría de las dudas telefoneé a una amiga, representante de artista, uno de cuyos clientes había ganado uno de los premios en 2010. Quería saber si eso había significado algo para él a efectos prácticos. La respuesta fue rotunda: no. En su opinión el galardón no le había ayudado a vender ni un disco más. Tampoco había aumentado las contrataciones de conciertos. “De hecho”, dijo, “ni siquiera se notó en cuanto a la repercusión en los medios. Esperaba que nos llamaran para pedir entrevistas, pero ni eso”.

En plena refundación y a las puertas de sus elecciones (en abril), la SGAE ha suspendido este año Los Premios de la Música, que desde hace 16 ediciones celebraba alrededor del mes de marzo. En realidad es la Academia de las Artes y las Ciencias de la Música quien se ocupaba del certamen, pero dicho ente dependía de la sociedad de autores y estaba presidido hasta el año pasado por Eduardo Teddy Bautista. Hoy ocupa ese puesto Sabino Méndez, portavoz también de la junta directiva de la SGAE, que ha confirmado que, de celebrarse, no será antes del mes de noviembre.

¿Por qué? El motivo principal es el desbarajuste que ha habido en la SGAE en los últimos meses por el escándalo de corrupción que destapó la operación Saga y que terminó con la imputación del propio Bautista, entre otros. La SGAE no está hoy para premios ni para tomar decisiones, y en principio había decidido cancelar el certamen hasta que se aclare su futuro y su nueva directiva tome las riendas.

Sin embargo, existe cierto interés en el sector desde hace tiempo en que los premios y la Academia se refunden y el evento se transforme en algo así como los Goya de la música. La repercusión que conseguía este evento en los últimos años era irrelevante comparada con la notoriedad que obtenían el mismo tipo de celebraciones de otras disciplinas artísticas. Este ha sido un debate que ha acompañado cada año a los Premios de la Música.

“Estamos reformando la Academia, que hasta ahora solo era una herramienta para proponer premios. Queremos que sea como la del cine. Que no implique solo a la SGAE y que integre a todos los estamentos de la música. Evaluamos cómo se puede hacer y el tiempo que tenemos. Queremos que los próximos premios los haga la nueva Academia. El problema es que ya es febrero. Así que está claro que en abril, desde luego, no serán”, explica Sabino Méndez, presidente de la Academia de la Música y portavoz de la Junta directiva de la SGAE.

La industria musical ha visto siempre con cierto recelo los Premios de la Música. Discográficas, promotores y sellos independientes estaban un tanto excluidas del evento y cada uno ha ido celebrando sus propios certámenes. Muchos lo han conisderado simpre un chiringuito de la SGAE. Por eso, la sociedad busca ahora rediseñarlos para convertir el asunto en algo más parecido a los Grammy, con una mayor proyección. “Buscamos la posibilidad de tener un gran escaparate. Además, hasta ahora, todo el presupuesto de la Academia se iba para los Premios de la Música. Queremos que también sea para formación, difusión, ayudas… el modelo es el de la Academia de cine, el de una academia real”, insiste Méndez.

Se busca un certamen que también implique al público a través de votaciones y que ofrezca un tipo de espectáculo televisivo más atractivo. Más rápido y popular. El ejemplo siempre es el mismo: “el premio a la mejor canción en bable no es muy seductor”. Además, la patronal de las discográficas (Promuiscae), que tampoco celebra ya los Premios Amigo, estaría a favor de implicar a artistas internacionales. “Hemos hablado con AIE para buscar un modelo de premios más atractivo para atraer al público. Con más visibilidad, tipo Grammy… Si se hace así, participaremos. Se estaba hablando de refundar la Academia, pero estamos a la espera de un planteamiento”, explica Guisasola. La patronal apuesta porque se reconozca la repercusión comercial de los artistas, sus ventas, su potencia en el mercado. Además, como todos los consultados, Promusicae señala a la Academia del cine como referente a tener en cuenta en la refundación. “Queremos una institución que tenga su propio local, que opte a subvenciones, organice seminarios, esudios… Un ente autónomo, vaya”, insiste Guisasola.

La tarea es complicada, porque las discográficas independientes ya tienen sus premios UFI (Unión Fonográfica Independiente) e incluyen muchísimas categorías. Difícilmente estos galardones dejarían de entregarse para integrarse en un evento más comercial, pero la asociación que aglutina a todos estas pequeñas empresas está dispuesta a estudiar alguna fórmula. “Me parece muy bien. Pero es muy difícil que nos juntemos todos. La UFI es solo para independientes, por eso tenemos como 35 premios distintos y no todos cabrían. Algo se puede hacer para integrarnos. Lo que no pasará es que los más importantes que tenemos, como mejor fotografía, vayan a entrar en ese tipo de evento”, explica Mark Kitcatt. De momento, no hay Premios de la Música.

“Los cubanos tenemos un trauma con la carne, así que déjame pensar…”, dice Limara Meneses con una jugosa carta en las manos. “Cuando llegué a España era todo carne, carne, carne; la gente me decía, pero niña, que te vas a enfermar”. La cartilla de racionamiento, la crisis, ya se sabe… “Es que en Cuba la vaca es un animal sagrado”, bromea. Limara es guajira, que quiere decir de campo. Hasta los 15 años no salió de Ranchuelo, un pueblito de la provincia de Villa Clara, pero tras aterrizar en La Habana estudió actuación en el Instituto Superior de Arte. Uno de sus primeros papeles fue de piña, o mejor dicho, de bailarina de cabaré que actuaba vestida de piña y perdía el paso. “Lo perdía porque tenía miles de problemas materiales en su vida, como todos los cubanos”.

Limara tiene 24 años y lleva dos viviendo en Madrid. Afirma que tiene “un pacto” con la música, pues todos sus personajes están vinculados a los escenarios y a los ritmos de Cuba. En 2006 hizo de Aída, la esposa de Benny Moré, el cantante popular cubano más grande de todos los tiempos. Él le era infiel, le hacía barbaridades y ella lo perdonaba, nada que ver con Limara que, dice, no es “aguantona”. Después de El Benny vino el papel de Rita en la película de animación de Fernando Trueba y Javier Mariscal, candidata al Oscar, una experiencia que la ha marcado y que aún colea. “Tengo la corazonada de que vamos a ganar”, cruza los dedos.

A su marido, que también es cubano y trabaja en informática, lo conoció en Madrid en 2009, cuando vino a doblar los diálogos en inglés de Rita. Fue un flechazo. “La verdad, Chico y Rita a mí me cambió la vida”, confiesa. Se trasladó a España con una extraña categoría migratoria típica del socialismo cubano —”actriz residente en el extranjero”—, y ya tiene una hija, Alejandra, que cumplirá seis meses el próximo lunes, al día siguiente de la gala de los Oscar.

Ahora está empezando a meterse en el mundo del teatro, a buscar talleres y trabajo. “Seguro que voy a tener suerte, como Rita”, ríe.

Con Fernando Trueba y Tono Errando estuvo más de un mes rodando la película en la Escuela de Cine de San Antonio de los Baños, a las afueras de La Habana, y luego Mariscal dibujó sobre sus curvas a la diva. “Filmamos todo, escena por escena. Fue un trabajo muy curioso, era como jugar: la copa que levantabas a lo mejor era un pedazo de palo y un pitillo, un bolígrafo”. Eran importantes los movimientos, para que sirvieran de modelo, pero también el carácter del personaje. “Fernando nos dio libertad para crear e improvisar”, recuerda.

Dice que le hubiera gustado pasear por aquella Habana y disfrutar de aquella música. “Después de conocer a Rita ya no soy la misma…”. Y aunque le prestó su cuerpo, el suyo le gusta más. “Lo único que me mejoró Mariscal fue el fondillo, pero eso se lo agradeceré toda la vida”, bromea de nuevo. No se siente extraña por verse hecha un dibujo animado. “Soy totalmente yo, mis amigos me reconocen”. En Madrid ha ido más de 20 veces al cine a ver la película para escuchar lo que la gente comenta. “A todo el mundo le gusta”. El domingo verá la ceremonia con Alejandra en casita y, “con o sin Oscar”, otra vez sentirá cómo Chico y Rita le ha cambiado la vida.

Para un músico de jazz, conseguir la máxima calificación en Down Beat, constituye el mayor reconocimiento al que un ser humano puede aspirar: ningún intérprete o director de orquesta puede considerarse completo hasta ver su nombre impreso en las páginas de la más longeva de las revistas de jazz (fundada en 1934) en el lugar destacado que se reserva a las obras destinadas a pasar a la historia. El reconocimiento suele venir acompañado por un aumento en el número de discos vendidos. Al final, todos contentos: el músico, la discográfica, los responsables de la publicación y quien tomó la decisión de otorgar la máxima puntuación.

Down Beat instauró el sistema de estrellas en 1952 (antes habían regido otros métodos con números o notas musicales), coincidiendo con la implantación del LP en sustitución de los antiguos discos de 78 rpm. La medida encumbró el papel del crítico hasta extremos propios de un semidios: bastaba una estrella de más o de menos para elevar un disco a la categoría de obra maestra o hundirlo para siempre.

Si los críticos de Down Beat no se han caracterizado por su prudencia a la hora de ejercer el cargo, algunos han ido un paso más allá. El caso de George Frazier, escritor de pluma afilada, educado en Harvard, enemigo acérrimo de todas las cantantes de jazz habidas y por haber, con la sola excepción de la hoy olvidada Lee Wiley; o el de John Hammond, acaso el mayor cazatalentos de la historia de la música americana —a él se deben los descubrimientos de Billie Holiday, Count Basie, Bob Dylan o Bruce Springsteen— que labró su fama escribiendo para Down Beat en un estilo confuso, a medio camino entre la crítica musical y el panfleto pro-comunista. Si, pese a todo, la publicación ha podido labrarse una reputación como herramienta de consulta indispensable para todo aficionado, ello ha podido deberse menos a la nunca probada existencia de un “libro de estilo”, como al criterio ponderado, a menudo irónico, casi siempre entusiasta, de quienes se sumaron a sus páginas principiando los cincuenta; años de gloria para el jazz en general y para Down Beat en particular, que sirven como materia prima para una nueva colección de discos: Poll Winners Records.

Las cien primeras referencias de la serie dedicada a los discos cinco estrellas publicados entre 1954 y 1961, invitan a perderse por una selva de nombres a menudo ignorados tras los cuales se esconde un descubrimiento. De Terry Gibbs, vibrafonista y director de orquesta (arrollador en su directo desde el Summit Club de Hollywood) a Mose Allison, Don Ellis o Bill Holman. Algunos placeres perversos: el de escuchar a la inmensa Sarah Vaughan cantando a dúo con Sidney Bechet (In concert at the Brussels Fair) en el que, posiblemente, no sea “el mejor disco que nunca hizo el clarinetista”, según reconoció Ralph J. Gleason en su comentario al mismo.

Si la carrera de Dave Brubeck pudo beneficiarse de la excesiva magnanimidad de los críticos de Down Beat, algunos de sus discos incluidos en la presente colección entran directamente en el terreno de lo escatológico: así, el que le reunió con el tórrido cantante de blues Jimmy Rushing (Brubeck & Rushing) obedeciendo a una de esas decisiones empresariales absolutamente incomprensibles que caracterizan al sector discográfico; o The real ambassadors, un delirante proyecto de musical que Brubeck compuso a la mayor gloria de Louis Armstrong.

La reedición de algunas obras maestras indiscutibles de Duke Ellington, Miles Davis, John Coltrane o Sonny Rollins, omnipresentes en el mercado, viene justificada por la incorporación a las mismas de contenidos musicales añadidos o inéditos y una amplia documentación, entre la que se incluye la reproducción de la crítica original publicada en Down Beat. El aficionado puede sorprenderse ante el comentario crítico elogioso pero no demasiado entusiasta de Don de Michael a Kind of Blue; le otorgó las preceptivas cinco estrellas al que muchos consideran como “el mejor disco de jazz de la historia”.

El grupo británico Portico Quartet actúa mañana en Madrid y pasado en Barcelona. Un grupo de jazz que tiene como seña de identidad el uso del hang, un peculiar instrumento de percusión y una deriva hacia la electrónica que se nota en su tercer disco homónimo que se publicó el 31 de enero. En parte por su nuevo instrumentista Keir Vine que es quien contestó a nuestro audiomatón.

1. La canción que odias que te guste

Roses are red – Mac Band

Un clásico de fiesta innegable. Es imposible ignorar esta canción en la pista de baile. 

2. El artista o disco que te encantaría que te gustara pero no puedes

Neil Young

Esto puede molestar a muchos fans del rock clásico, pero hay algo en él que nunca me ha parecido para tanto, aunque quiero que me guste.

3. La última canción que te impresionó

Dissolve – Container 

Sentado fuera de la galería de arte Boijmans de Rotterdam, la batería distorsionada de este tema suena realmente hipnótica. Va creciendo durante nueve minutos. Es un temazo brutal.

4. La canción que mejor te describe

Export for hot Climates – Portico Quartet

¡Eso es lo que nos pasa a nosotros a veces!

5. La canción perfecta para decir “lo siento”

Want you to know – Rotary Connection

Las letras tienen un gran sentimiento – es una pedazo de canción emocional y ñoña para pedir perdón.

6. La canción o el disco que hicieron que quisieras dedicarte a la música

Axis: Bold as Love – Jimi Hendrix

Este es el álbum que hicimos tocando de manera muy divertida y muy guay, muy rápido

7. El primer disco que compraste

The Score (en cassette) – Fugees

Me lo compré en un supermercado guarro en el muelle de Londres cuando tenía 12 años. El hombre me preguntó si tenía más de 16, porque tenía la pegatina de “contenido explícito”. Me creyó.

8. El último que compraste

Kindred- Burial

Me lo he comprado hoy y por supuesto es absolutamente brillante. Burial es un rey.

9. La canción perfecta para un domingo de relax

Undertow – Warpaint

Undertow es una canción sedante y a la vez sombría, me gustan las voces. Es perfecta si tienes resaca.

10. El mejor disco de la historia

Portico Quartet – Portico Quartet

No puedo contestar a esa pregunta, así que aquí va un buen sustituto.

11. Tu canción favorita

Gabriel – Roy Davis Jnr

Te transporta a ese lugar cálido y agradable, pero también algo triste al que te lleva toda la buena música, pero a la vez te hace sentir mejor por ello.

En Hoy no me encuentro, una de las 13 canciones de Diciembre, el primer trabajo en solitario de Leiva, excantante y guitarrista de Pereza, se cuela un verso que dice: A veces se hace bola y no, nada es como queremos. Cuesta sacarle si esto fue lo que le pasó con su compañero Rubén cuando decidieron tomarse un descanso. Lo que parece más o menos claro es que la independencia la está llevando bien. “Lo único que puedo intentar es salir a tocar y convencer a la gente para que se unan a este nuevo proyecto”, argumenta el cantante. “Los que decidan abandonar el barco también están en su derecho”.

Leiva se bajó de la furgoneta de Pereza en diciembre de 2010 y empezó a darle vueltas a la cabeza. “A los músicos no nos da tiempo a vivir ninguna vida, ni la de gira ni la de la tranquilidad”. Se alió con el sosiego y empezaron a salir unos cuantos fantasmas, y eso que asegura que había hecho propósito de enmienda para no exponerse tanto como en otros discos. “El recurso de las relaciones tormentosas es el que más canciones te da. Ya lo decía Sabina, en la felicidad doméstica no hay de dónde sacar”, explica el compositor con apostilla: “Me ha salido un disco que tiene que ver con la lealtad y el afecto en cualquier tipo de relación”.

Diciembre (hoy a la venta) es además de una mirada hacia dentro, un proyecto de artesano y ermitaño. Leiva se encerró en su estudio doméstico durante un año con instrumentos que hacía mucho que no cataba, además de unos cuantos referentes que tenía almacenados en alguna esquina de su memoria musical. Hay quienes han decidido comparar su producción musical con el muro de sonido del productor estadounidense Phil Spector. Él se cura en salud y le baja un poco el tono al símil: “Digamos que le he puesto un traje al disco que se ajusta bastante a lo que quería”.

Por primera vez, el cantante se ha colocado ante una pantalla de guitarras acústicas y eléctricas –“nada aplastante, bien colocadas”–, que junto al toque que aportan los vientos –también nuevos en la carrera de Leiva–, conforman la identidad del disco. “Es un sonido más arriesgado, con un punto más soul gracias a los metales. Quería jugármela y de repente he probado con instrumentos que no había usado antes, como una flauta travesera, seis guitarras a la vez… He podido equivocarme y reequivocarme porque he hecho lo que he querido. Es lo bueno de tener mucho tiempo”.

A las guitarras le ha puesto la marca de grupos que tenía algo olvidados como The Verts y The Band: “Tienen unas canciones pop con tintes sesenteros a partir de guitarras de 12 cuerdas que me han servido para probar cosas nuevas”. Ha sumado clásicos de su repertorio como George Harrison y Tom Petty. “Los más puristas puede que no encuentren la referencia exacta cuando recurran a los discos originales, pero sí que me he fijado mucho en sus maneras”, aclara antes de que lleguen los malentendidos.

En las letras también se cuelan viejos conocidos. Quique González, con el que lleva trabajando desde sus comienzos, participa en Sudando tristeza, un tema que salió de la cabeza de González como un rock and roll y ha acabado en las cuerdas de Leiva convertido en ranchera. Kike Suárez, el segundo letrista que aparece entre estrofas, tuvo una suerte diferente: “Me mandó un versito, le di tiempo para que de aquello saliera algo bueno y terminamos haciendo una saeta carcelaria en Vis a vis”.

“Se puede resumir que esto ha sido un proceso de un chalao obsesionado con hacer algo diferente”. Un año de terapia de la que ha salido más aliviado que ilusionado. “Llegó un momento en que tuve que parar, porque como decía Valéry, ‘las obras se abandonan, nunca se terminan’. Con este trabajo he aprendido que puedo disfrutar de la soledad sin sentirme culpable”.

El poeta chino Ai Qing dedicó una etapa de su vida, de 1929 a 1932, a estudiar las vanguardias artísticas en París, a la que llamó “la ciudad de mi corazón”. Décadas después, es su hijo, el arquitecto, artista multidisciplinar y fotógrafo Ai Weiwei, el que viene a París con objeto de la retrospectiva Entrelacs que le dedica el Jeu de Paume. Esta es la primera gran muestra del artista disidente desde su polémica detención en abril del año pasado y su posterior retención durante 81 días, acusado por el Gobierno de su país de conspiración. Su última gran exposición hasta ahora había sido en la Tate Modern londinense, en 2010, cuando cubrió la sala de las Turbinas del museo, dedicada a las exposiciones temporales, de semillas de girasol de cerámica hechas a mano por compatriotas.

Su llegada a la ciudad de la luz es en realidad, una licencia, porque son sus fotos, sus escritos y sus vídeos los que serán expuestos —a partir de hoy y hasta el 29 de abril— en la institución que dirige Marta Gili. La presencia física de Ai Weiwei sigue siendo imposible dado el aislamiento de facto al que le somete el Gobierno chino, receloso de su compromiso artístico-político y su negativa a conformarse a las expectativas oficiales.

El título elegido, Entrelacs (una alusión al punto entrelazado), sirve para presentar un tejido gigante que muestra al espectador más de 500 fotografías donde el artista no solo realiza una obra de arte sistemática y consciente, sino que paralelamente documenta su creación y la vida según se desarrolla ante su mirada. En dicho tejido convergen sus fotos realizadas en Nueva York, sus Paisajes provisionales, las colaboraciones con los arquitectos suizos Herzog & de Meuron para el Estado Olímpico y con la Documenta, su reportaje tras el terremoto de Sichuan y sus diarios personales.

Todo este repertorio es el fruto maduro de la colaboración entre el Jeu de Paume y el Fotomuseum de Winterthur (Suiza), cuyo director Urs Stahel, ha comisariado la exposición. Antes de aterrizar en París, pudo verse por primera vez el año pasado en la ciudad helvética y hasta hace poco en la Kunsthaus de Graz (Austria).

El recorrido pone énfasis en la vertiente fotográfica por encima del arte conceptual, la instalación y la performance, como explica Marta Gili. “Cuando empezamos a trabajar con el Fotomuseum en la exposición hace dos años, prácticamente nadie conocía a Ai Weiei en Francia, donde no había sido expuesto. El proyecto formaba parte de nuestra apuesta por dar visibilidad a artistas menos conocidos por el gran público”.

En abril de 2011, el arresto de Ai Weiwei desató una ola mundial de indignación y de muestras de apoyo al controvertido artista. “Esa circunstancia”, explica Gili, “hizo que su vida cotidiana se convirtiera en noticia. De hecho, la exposición se contamina, por así decirlo, de este acontecimiento, no ya mediático, sino real”.

La comisaria catalana y madrina de la fotografía en Francia —bajo su dirección, el Jeu de Paume ha expuesto a Lisette Model, Lee Miller, Robert Frank, Claude Cahun, André Kertesz, Agustí Centelles y Diane Arbus, entre muchos otros maestros— asegura que “el eje principal era poner de relieve todo su trabajo en fotografía, en vídeo y en los blogs”. ¿Por qué? “Porque gran parte del trabajo que lo ha dado a conocer internacionalmentte ha estado ligado a su trayectoria como arquitecto, escultor, performer… No obstante, cuando él realiza todos estos proyectos, emplea también la fotografía, que es consustancial a su vida cotidiana”.

Marta Gili alude a las fotos que realizó Weiwei en los años 80 en Nueva York, adonde acudió siguiendo a la que era entonces su novia —ahora esposa—, que había obtenido una beca. “Fue entonces cuando se inscribió en Parsons [la escuela más prestigiosa de diseño de Nueva York] y comenzó a tomar contacto con la obra de artistas y escritores que le inspirararon —Marcel Duchamp, Allen Ginsberg, Jasper Johns, Andy Warhol—. Durante su vida de estudiante en Nueva York, nunca dejó de fotografiar sus vivencias cotidianas, y eso es lo que ha continuado haciendo desde entonces”.

Por eso, añade la directora del Jeu de Paume, “se ha querido presentar esa especie de escultura social que conforma su vida, y ese famoso blog, censurado por el gobierno chino, donde añade a sus reflexiones la fotografía”. En la exposición, más de 10.000 imágenes del blog, referidas al periodo 2005-2009, son proyectadas en doce pantallas junto a los textos bilingües de ese flujo cotidiano de impresiones. Se trata, dice, “de una especie de representación de un mundo en el que, como dice Weiwei, su arte y su vida, están unidos brutalmente”.

A la inauguración de la exposición no estaba invitada, oficialmente, la embajada china. Sí que se han puesto en contacto con los organizadores —extraoficialmente— “muchas organizaciones no gubernamentales, Amnistía Internacional y disidentes chinos que viven en París, que han mostrado su interés por acudir a la exposición”, según Gili.

La muestra del artista, representado en España por la galería Ivorypress, se acompaña de la edición en tres idiomas del catálogo de Interlacing (título original en inglés), publicado por Steidl junto con el Fotomuseum Winterthur y el Jeu de Paume.

El proyecto comisarial incluye también muchos de los mensajes publicados por Weiwei en Twitter, un medio sobre el cual el artista ha mostrado su preocupación a raíz de las informaciones sobre las intenciones de la compañía propietaria de permitir en ciertos casos la censura de los mensajes.

El volumen complementa otros libros esenciales como Ai Weiwei’s Blog (MIT Press) y Ai Weiwei Speaks (Penguin), la transcripción de las conversaciones mantenidas entre el comisario Han Ulrich Obrist y el artista, en la que éste afirma: “Tomar fotografías es como respirar. Llega a ser parte de ti”.

El confinamiento del artista y su trayectoria creativa fueron objeto del documental Never Sorry, a cargo de la realizadora estadounidense Alison Klayman, premiado en el festival de Sundance y exhibido en la Berlinale.

Entre los próximos proyectos de Ai Weiwei está su colaboración, de nuevo, con Herzog & de Meuron para el diseño del nuevo pabellón de la Serpentine Gallery londinense.